Amarillo - Rojo - Azul

Un amplio borde blanco rodea aquí la composición antes de que el marco negro la enmarque, y es precisamente esta zona de tranquilidad la que le sienta bien al cuadro. Y es que lo que Kandinsky plasma en el lienzo en 1925 dista mucho de ser tranquilo: el amarillo, el rojo y el azul no se limitan a convivir uno al lado del otro, sino que parecen fuerzas diferentes que interactúan entre sí a través de círculos, líneas y formas geométricas. A la izquierda, el amarillo radiante, casi flotante, con sus finos racimos de trazos negros; a la derecha, el azul denso, que gira sobre sí mismo; en medio, la cuña roja y una maraña de casillas de tablero de ajedrez, arcos y una línea negra curvada que serpentea como un hilo por la mitad derecha de la imagen. Me parece que el borde claro en este punto resulta especialmente acertado, ya que el motivo en sí mismo aporta ya tanto color y movimiento y así se crea cierta distancia respecto al negro de la moldura. Kandinsky, nacido en Rusia en 1866, concebía el color como algo autónomo con un efecto emocional y rítmico, no como un medio para representar objetos, sino como un sonido que se sostiene por sí mismo. «Amarillo - Rojo - Azul» se creó durante su etapa en la Bauhaus y se considera una de sus exploraciones más intensas de precisamente esta idea.

La mirada se detiene en un minúsculo detalle a la derecha del centro de la imagen: un mosaico de quizás veinte pequeños cuadrados de color sobre el fondo violeta, cada uno de ellos apenas del tamaño de una uña. La impresión reproduce cada uno de ellos claramente separado: turquesa junto a naranja junto a rosa, con bordes nítidos, mientras que, justo al lado, las suaves transiciones del violeta se extienden sin interrupción. El hecho de que ambos elementos funcionen juntos -la superficie nítida y la neblina de color difuminada- dice mucho a favor del lienzo satinado Leonardo, que también traza con extrema nitidez las líneas negras sobre el fondo amarillo. Friedegarde, una estrecha franja negra, no interfiere cromáticamente; el marco tiende más bien a tender un puente hacia la época de la que procede la obra. El amplio formato apaisado deja espacio para que las numerosas formas convivan unas junto a otras. A pesar de todo ese bullicio, la composición nunca cae en el caos, sino que se mantiene curiosamenteequilibrada; y cuando la luz del día acaricia lateralmente la superficie, el ligero brillo satinado realza aún más el amarillo sin reflejar las partes oscuras. Así es exactamente como debe verse.