"No hacer nada se vuelve aburrido después de un rato"; Las concepciones de la vida de Gustav Klimt, como la mayoría de sus pinturas, estaban siempre llenas de emoción, color y movimiento. Como en la pintura al óleo Bauerngarten, que realizó en 1907 con una serie de otras famosas pinturas de jardines y paisajes, la tensión y el movimiento son una parte importante de su arte. Encontró inspiración en los años de decadentismo de 1890 a 1917 en un viaje con su familia y amigos, durante el cual descubrió el jardín rústico y natural de Mayr-Hof en Litzlberg para él y su arte. El artista austriaco estaba en su fase creativa y en ese momento comenzó a descubrir nuevas técnicas, motivos y composiciones para él mismo.

El cuadro Bauerngarten, con su composición única de colores y formas, es uno de los cuadros más conocidos y populares del artista y se subastó en 2017 como el tercer cuadro más caro en la historia del arte europeo. A través de colores complementarios, como Klimt dio a menudo a sus obras, esta imagen en el esquema rojo-verde también impresiona con una composición colorida, libre y sin embargo armoniosa, que se ve reforzada por la disposición triangular de los arreglos florales en el prado verde. La composición del triángulo inusual se puede ver en algunas de las obras de Klimt en este momento. Da una sensación de compacidad, uniformidad y orden, lo que refleja una comprensión especial de la naturaleza a través de la disposición aleatoria y natural de las flores dentro de esta forma geométrica. Por un lado, la naturaleza parece sin adornos, salvaje y libre, por otro lado, parece tan impecable que le es posible crear impecable y "perfecto". El fondo verde también muestra la naturalidad y la vivacidad del paisaje y el reino natural a través de sus diferentes tonos verdes y la disposición no planificada. Los diferentes tonos cálidos y profundos de la familia de colores rojo y amarillo se vuelven más brillantes por los campos individuales de amapolas, margaritas y rosas de diferentes colores brillantes hacia arriba, hasta que algunas flores blancas radiantes se extienden como una corona sobre la otra. El campo azul de nomeolvides florece en el corazón de la pintura es una ruptura y, al mismo tiempo, un llamador cuyo color luminoso forma un punto de apoyo y de inicio debido al fuerte contraste.

Por medio de técnicas impresionistas de diseño pictórico, que apuntan principalmente a la importancia del motivo detrás de la superficie, Klimt describe la belleza y vitalidad de las plantas, que, aunque cuidadosamente dispuestas, son, sin embargo, arbitrarias y poderosas. Según la comprensión de Klimt, la naturaleza, como los humanos, es su propio poder, que escapa a todas las restricciones y vive y prospera independientemente de todas las influencias externas. No debe ser visto como una reacción al hombre o la visión de la naturaleza del hombre, sino como el único portador de la vida y la vitalidad. El artista también eligió el formato cuadrado para dirigir su mirada a ciertas partes solo a través de la composición de la imagen. El formato cuadrado hace que sea un equilibrio y hace que todos los rincones de la pintura parezcan sinónimos. Parece una sección de la naturaleza cuyas características y motivos son homosemas independientes entre sí.

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Jardín Campesino · Gustav Klimt